Il contrabbasso è la prima opera di Patrick Süskind scritto nel 1981, è un intenso e turbato monologo di un contrabbassista che sfoga tutta la sua frustrazione di una vita condotta sempre in ultima fila.
5 NOVEMBRE 2020 – ROMA
Nel monologo “Il contrabbasso” (1981) troviamo tutte le caratteristiche di Patrick Süskind: la sua cultura enciclopedica, (come nel Il Profumo – 1985) la sua predilezione per personaggi che, per un motivo o per un’altro, rimangono sempre in disparte rispetto al resto della società (come in Storia del Signor Sommer – 1991); e soprattutto la sua capacità di tirarci dentro il racconto a prescindere dall’argomento trattato!
Ovviamente l’argomentare su un contrabbasso è solo un pretesto per parlare di qualcosa di infinitamente più importante: il malessere per quella che è la vita insoddisfacente del narratore/protagonista, talmente poco importante, che neanche l’autore si prende la briga di dargli un nome. Ciò che emerge chiaramente, è che questi è legato all’ultima fila tanto nell’orchestra di Stato in cui suona, quanto nella sua stessa vita, impossibilitato o incapace, di prendersi ciò che davvero desidera.
Sai di cosa ho bisogno? Ho sempre bisogno
di una donna che non riesco ad avere.
Ne “Il contrabbasso” infatti si parla di psicologia, che nonostante il narratore/protagonista disdegni palesemente, intride in realtà l’intero suo racconto. Ed in fondo un monologo cos’è se non lo sfogo di un essere umano, come se appunto fosse nell’atto di una seduta dallo psicologo?
Il narratore/protagonista per altro, parla per tutto il tempo con un interlocutore che rimane celato al lettore, eccetto per l’informazione che si tratta di una donna, ma è l’unico dato che l’autore ha voluto fornirci…nonostante sia palese che quella riportata non è la loro prima conversazione, seppur il tono rimane formale durante tutto il monologo (conversazione a senso unico).
Come è ben noto in psicologia, quando si critica o si loda qualcosa, in realtà si sta criticando o lodando quella parte di noi che riconosciamo nell’altro: sia un oggetto come può esserlo uno strumento musicale, siano i colleghi di lavoro o i compositori che mentre sono celebrati dall’intera umanità, vengono fondamentalmente disprezzati dal nostro narratore/protagonista.
Ma questo suo vivido disprezzo per tutto ciò che è il suo mondo, e che per una serie di circostanze si è scelto (suo malgrado come si giustifica in più di un’occasione); è in realtà un profondo e radicato disprezzo per se stesso, per il suo riconoscersi (senza riuscire ad ammetterlo palesemente), in una persona di carattere debole e incapace di prendere quelle iniziative, che certamente scuoterebbero la sua vita da quella routine solitaria e non apprezzata.
Se ne ho il coraggio.
Il contrabbasso di Patrick Süskind si presenta di fatto come un saggio di psicologia, come se lo studente avesse scelto questo argomento (il contrabbasso) caro davvero a pochi (a quanto pare neanche ai contrabbassisti stessi), per studiare nella maniera più minuziosa le nevrosi di un trentacinquenne, che ha scelto di lasciare spazio nella sua vita solo per alla musica, al punto che questa invade anche la sua vita privata, annullandola.
Una presenza ingombrante è quella di un contrabbasso nella vita di chiunque, persino (anzi soprattutto) di colui che lo suona. Ma cosa simboleggia davvero questo strumento musicale, il cui prezzo è divenuto ridicolmente alto sia in termini economici che di esistenza stessa?
É una pazzia come sono aumentati i prezzi in questo campo negli ultimi dieci anni.
E va bene…
Il narratore/protagonista affronta in più di un’occasione l’argomento dell’anonimato, prendendo ad esempio validissimi compositori rimasti sconosciuti, al di là delle loro pregevoli doti, che lui stesso ritiene di possedere. In questo modo egli, esprime un turbamento esistenziale davvero intenso e che ci porta a pensare ad una paura autobiografica tipica di un autore ancora non affermato (Il contrabbasso è la prima opera di Patrick Süskind), poiché fama e talento possono non coincidere.
É questo il lavoro adeguato ai suoi talenti?
Del resto il narratore sottolinea abbondantemente il parallelismo tra l’orchestra e la società enfatizzando come l’orchestra (ossia il suo mondo) sia peggio della società stessa…
L’orchestra è una rappresentazione dell’umana società.
…
L’orchestra è persino peggiore della società, perché nella società avrei la speranza – siamo alla teoria – di risalire prima o poi attraverso la gerarchia per poter guardare un giorno, dalla cima della piramide, quei vermi sotto di me…Avrei la speranza dico…
…
Ma nell’orchestra non c’è speranza.
Lì regna la crudele gerarchia del potere, la terribile gerarchia della decisione già presa, la spaventosa gerarchia del talento…
…poiché mentre in quest’ultima la speranza di rivincita è l’ultima a morire, nell’orchestra non esiste affatto possibilità di modificare il proprio ruolo all’interno di una struttura così profondamente gerarchizzata.
…e con ciò produco un rumore di cui si ha bisogno, un rumore.
Il sottolineare l’incompatibilità del proprio strumento con gli altri, indica una forte sofferenza nel suo vivere da scapolo, poiché fondamentalmente il suo compagno di viaggio e di vita è un contrabbasso! Ed un contrabbasso non è una donna capace di scaldare un uomo! Anzi, spesso è il narratore/protagonista, che si ritrova a scaldare questa “cassa di legno” con il proprio corpo, e a cedergli persino il proprio cappotto (a costo di una brutta influenza), proprio come si farebbe con la propria donna. Come avrebbe fatto con Sarah.
Ma nella vita di un contrabbassista, non c’è evidentemente spazio per altro che non sia l’ingombrante strumento, tant’è che anche il sedile anteriore della sua Volkswagen, deve essere smontato per permettere il trasporto del voluminoso carico.
Può spiegarmi come mai un uomo a metà della trentina, e cioè io, vive con uno strumento che per lui è solo un continuo ostacolo?
Nonostante lo sfogo di questo monologo, il narratore/protagonista non riesce a trovare una risposta ai suoi quesiti, e questo deriva dal fatto che egli non si è posto delle domande valide a questo scopo, e in ciò l’autore rimane coerente.
Perché anche in questo caso il narratore/protagonista, avrebbe dovuto dimostrare quel coraggio di autocritica e di iniziativa, che in realtà non possiede e probabilmente non tenterà mai di possedere, continuando a vivere ovattato nella sua dimensione insonorizzata di dipendente Statale.
Titolo originale (tedesco): Der Kontraba
Autore: Patrick Süskind
Prima pubblicazione: 1981
Prima pubblicazione in Italia (Tea Due): Febbraio 2001
La mia edizione: I Edizione – II (2da) Ristampa: 2004
Editore italiano: Tea Due
Collana: –
Genere: Monologo, Opera Teatrale
Numero di pagine: 61
Preceduto da: –
Seguito da: Il profumo (1985)
GRANDI CLASSICI – OPERA TEATRALE – TRAGEDIA
Quello che non sapevi della tragica storia d’amore di Romeo & Giulietta, di William Shakespeare.
6 APRILE 2020 – ROMA
GRANDI CLASSICI – OPERA TEATRALE – TRAGEDIA
Questa è la terza volta che leggo Romeo e Giulietta, volendo contare anche il tentativo di leggere la versione in inglese a fronte, nella mia edizione italiana. Ricordo ancora quando ho comprato la mia copia. Ricordo ancora la prima volta che l’ho letta, mentre scrivevo le note a margine su figure retoriche come chiasmi e ossimori. Così come ricordo la bellezza di riuscire ad individuare l’endecasillabo nella versione inglese.
Quando decisi di leggere la versione integrale di questa tragedia, era sull’onda di voler conoscere quelli che venivano considerati classici…ancora non sapevo che la storia di Romeo e Giulietta non nasce con drammaturgo inglese, nonostante è al magistrale uso della parola scritta di William Shakespeare che si deve la sua fama.
Infatti, già ne Le metamorfosi di Ovidio ritroviamo un’affine vicenda: quella di Piramo e Tisbe. Come in Romeo e Giulietta, anche qui l’amore dei due giovani era contrastato dalle famiglie, al punto che i due innamorati erano costretti a parlarsi da una crepa nel muro, che divideva le loro case. La situazione divenuta insostenibile, li indusse a programmare una fuga d’amore, fissando il luogo dell’incontro vicino ad un albero di gelso. Tisbe arrivata per prima sul luogo dell’appuntamento, incontrò una leonessa dalla quale si mette in salvo perdendo il suo velo che, strappato e macchiato di sangue arrivò fino a Piramo. Questi credendo l’amata morta, si trafigge con la spada; ma la benevolenza del fato consente a Tisbe di raggiungere l’amato in fin di vita, dando la possibilità ai due amanti di scambiarsi un’ultimo fugace sguardo.
Straziata e resa folle dal dolore, anche Tisbe decide di togliersi la vita. Ma gli Dei, dinnanzi ad una simile tragedia, scevra di qualsiasi elemento distensivo (come avviene invece in Romeo e Giulietta), furono mossi a pietà, e mutarono in vermiglio il colore dei frutti del gelso, intriso oramai del sangue dei due amanti.
Seppur presente anche nella letteratura medievale, il dramma di Romeo & Giulietta, è soprattutto d’ispirazione greca antica. Nei Babyloniaka di Giamblico e negli Ephesiaka (Racconti efesii intorno ad Abracóme e Anzia) di Senofonte dove è Anzia, a rappresentare la matrice, per le successive evoluzioni del personaggio di Giulietta.
Anzia è una donna separata dal marito a causa di una situazione avversa. Ella viene tratta in salvo da una banda di ladri di tombe, i quali vengono però sopraffatti da un nobile Perilao, evidente archetipo del personaggio di Paride, che pretende di unirsi in matrimonio con Anzia per riconoscenza. Disperata la donna beve una pozione credendola mortale. Il veleno induce tuttavia una morte apparente, che le consente provvidenzialmente, di sfuggire all’unione con Perilao, salvata una seconda volta dalla banda di ladri di tombe.
Persino Dante, quasi trecento anni prima di “Mastro William”, portò alla luce i nomi delle due famiglie:
Vieni a veder Montecchi e Cappelletti,
Monaldi e Filippechi, uom sanza cura:
color già tristi, e questi con sospetti!
Commedia – canto VI del purgatorio, versi 105-106-107
senza fare riferimento all’amore della loro progenie; ma evidenziando chiaramente la sua conoscenza della vicenda narrata, definendoli appunto: “già tristi“.
Un’ulteriore evoluzione della struttura della trama, si delinea invece nella novella di Mariotto e Ganozza di Masuccio Salernitano, composta nel 1476, ma ambientata a Siena e non a Verona come sarà nel capolavoro shakespeariano.
L’ambientazione di Masuccio è molto più solare, mediterranea e priva dell’atmosfera gotica anglosassone. L’aspetto sessuale è molto più marcato, la paura della morte è praticamente assente: la pozione viene bevuta allegramente da Ganozza, ben distante dal terrore provato da Giulietta e dai versi dichiaranti malasorte che Shakespeare scriverà 120 anni più avanti. Persino la morte di Tebaldo è meno drammatica: il personaggio di Mercuzio è assente e conseguentemente il loro duello. La morte per Tebaldo sopraggiunge, postuma, per una bastonata assestatagli da Mariotto .
Nel 1530 circa, nella Historia novellamente ritrovata di due nobili amanti, è Luigi di Porto a dare a questa tragedia molto della sua forma moderna, dando ai due giovani i nomi di Romeus e Giulietta e trasportando l’azione da Siena a Verona.
E qui nascono elementi chiave e personaggi, che troveranno corrispondenza nella tragedia shakespeariana: la triade Mercuzio, Tebaldo e Paride, che prende qui vita per la prima volta. La rissa tra Tebaldo e Mercuzio, come pure la morte di un cugino dell’amata perpetrata da Romeo. Il bando dalla città di quest’ultimo e la tragica fine di entrambi in cui però, è Romeo a prendere un veleno e Giulietta a trafiggersi con un pugnale.
Rielaborata nelle riduzioni drammatiche Giulia e Romeo (1553) di Clizia (attribuito al nobile veronese Gerardo Boldiero) e Hadriana di Luigi Groto (1578), fu ripresa da Matteo Bandello nel 1554 e inclusa nel secondo volume delle sue Novelle che comprendeva la sua versione di Giulietta e Romeo. Bandello sottolinea la depressione iniziale di Romeo e la ben nota faida tra le famiglie; introduce la nutrice e Benvolio. L’ambientazione ormai è quella definitiva.
Ed eccoci come penultima tappa, in Francia dove la novella di Bandello fu tradotta in francese da Pierre Boaistuau (1559) nel primo volume delle sue Histories Tragiques. L’emotività e il moralismo aggiunti da Boaistuau furono la chiave di volta. La sua versione venne a sua volta tradotta in inglese, sia in prosa (da William Painter nel suo Palace of Pleasure, 1567), sia in versi: il poema narrativo Tragicall Historye of Romeus and Juliet, scritto nel 1562 da Arthur Brooke, che divenne la fonte principale dalla quale William Shakespeare attinse per il suo Romeo and Juliet.
Il poema drammatico di Brooke è piuttosto breve. Parliamo di poco più di tremila versi, scritto in rime baciate di esametri giambici alternate a eptametri, il cui ritmo alquanto monotono e moraleggiante, come già in Boaistuau, ha qui il grande pregio di introdurre la fIgura della balia, rappresentata alla stessa maniera shakespeariana. Una donna del popolo, sboccata, spontanea, dall’umorismo dilagante, generosa e dal cuore grande, soprattutto nei riguardi della tanto cara al suo cuore, Giulietta.
La trama di Romeo & Giulietta è a questo punto delineata; e ancor più chiaramente possiamo affermare che quanto rese celeberrima la versione di William Shakespeare furono dunque, non gli eventi narrati, ma la capacità di questi di toccare nel vivo lo spettatore/lettore. Shakespeare, differentemente da Boaistiau che ritiene gli innamorati responsabili della loro triste sorte, si schiera apertamente dalla parte degli innamorati, trasformando così. Romeo e Giulietta nell’archetipo dell’amore tragico, che tutto il mondo conosce.
Per enfatizzare il coinvolgimento emotivo dello spettatore/lettore, Shakespeare adotta un’altro stratagemma, tanto efficace quanto semplice. Nelle precedenti “versioni”, il tutto si svolgeva in un tempo dilatato di 9 mesi; qui invece la vicenda evolve e termina nel giro di giorni: da una domenica mattina di luglio alla successiva notte del giovedì. Certamente una grande emotività avvolgeva i teatranti che per primi inscenarono la tragedia shakespeariana, abituati com’erano a dover improvvisare un finale più felice. La tragedia di Romeo e Giulietta, venne composta tra il 1594 e il 1956, ed a quel tempo le persone già flagellate dalle difficoltà della vita, non avevano certo voglia di spendere i loro sudati soldi, per vedere inscenata una tragedia. Quello che tuttavia ci immaginiamo è una platea di persone attonite, troppo coinvolte per poter anche applaudire…incantate.
Un successo magistrale dunque, nonostante a lungo le opinioni in merito alla sua “classificazione” siano state contrapposte. Dunque a tal proposito va evidenziato che siamo di fronte ad un’opera giovane. Romeo e Giulietta è infatti, uno dei primi lavori di William Shakespeare, e certo non ci è possibile ritrovare in esso le caratteristiche delle tragedie successive. Il semplice personaggio della Nutrice, o di Mercuzio così legati, entrambi, alla carnalità della vita e alla sua bellezza, sono due note che certo sono più congeniali al genere della commedia, che non a quello della tragedia. E persino nel dramma della morte dei giovani innamorati, troviamo una nota dolce/amara che è appunto la rappacificazione delle due casate; finale già annunciato nel prologo iniziale, come ci si trovasse davanti ad uno dei più attuali film:
…dove fra due famiglie di uguale nobiltà, per antico odio nasce una nuova discordia…da questi nemici discendono due amanti, che…con la loro morte annientarono l’odio di parte.
PROLOGO di Romeo & Giulietta
Titolo originale: Non voglio più piacere a tutti (italiano)
Autore: Maria Beatrice Alonzi
Prima pubblicazione: 2021
Prima pubblicazione in Italia: 2021
La mia edizione: I edizione Vallardi 2021
Editore italiano: Vallardi
Collana: –
Genere: Auto aiuto, Mente e corpo, Crescita personale
Numero di pagine: 200
Preceduto da: –
Seguito da: Il libricino della felicità (2021)
FANTASTICO – RAGAZZI – OPERA TEATRALE
In Harry Potter e la maledizione dell’erede, ci troviamo di nuovo in balia di una Giratempo ed esploriamo l’aspetto più umano del mondo magico e dei suoi maghi.
1 APRILE 2020 – ROMA
FANTASTICO – RAGAZZI – OPERA TEATRALE
Benché il libro riporti come autore J.K.Rowling il suo contenuto nasce dalla mente magica di tre diverse personalità.
Harry Potter e la maledizione dell’erede, è un’opera teatrale in due parti scritta da Jack Thorne e John Tiffany su soggetto di J.K.Rowling. L’opera infatti riprende i personaggi resi celeberrimi dalla scrittrice inglese, immersi stavolta nella loro vita 19 anni più in avanti.
Harry Potter e Ginny Wisley hanno avuto tre figli James Sirius, Albus Severus e Lily Luna. Ron ed Hermione si sono sposati e hanno avuto due figli Rose e Hugo, che hanno entrambi acquisito il doppio cognome Granger-Weasley. Lavorano tutti al Ministero, ed Ermione è diventata persino Ministro della Magia. Ma la cicatrice di Harry Potter ha ricominciato a farsi sentire, perché stavolta il pericolo è be più radicato e nascosto.
I primi tre anni ad Hogwarts corrono veloci. Albus, Rose e Scorpius figlio di Draco Malfoy iniziano insieme la scuola di magia e tutti e tre faticano ad inserirsi. Il peso dell’eredità paterna grava sulle spalle di Albus e Scorpius, soprattutto su quest’ultimo che tutti credono l’erede di Lord Voldemort…ma l’epilogo finale sorprende davvero da questo punto di vista.
Questa opera teatrale, ha visto la sua anteprima a Londra, con il titolo originale di Harry Potter and the Cursed Child al Palace Theatre il 7 giugno 2016, mentre per il debutto ufficiale si aspetterà il 30 luglio dello stesso anno, e da un’opera teatrale inglese certo non ci si poteva aspettare che la narrazione dei tumulti umani. Racconta di fatto, quello che è il complicato rapporto padre figlio. Il primo con pesanti strascichi del passato fatica a rapportarsi con il figlio, che a sua volta vede nel passato del padre l’impossibilità di relazionarsi serenamente con l’altro. L’onestà reciproca sarà la chiave di volta.
Ci imbattiamo in una giratempo, evidentemente l’ultima esistente ed è questo piccolo e magico oggetto ad offrire l’occasione per cambiare le cose, forse nel passato forse nel presente. Ma i sentimenti come l’amore, la rabbia, il rancore e la gelosia sono difficili da gestire soprattutto per studenti del quarto che vorrebbero esplodere le loro emozioni e non contenerle. Dunque ecco che Lord Voldemort, si presenta l’occasione a lungo attesa per vedersi consegnare il ruolo spettante e realizzare così l’antica profezia.
Le emozioni dei nostri giovani maghi, e le loro buone intenzioni volte vendicare un errore del passato, rischiano seriamente di compromettere non solo l’equilibrio tra bene e male, ma l’intera realtà per come tutti loro l’hanno conosciuta.
Titolo originale: Harry Potter and the cursed child – Parts one and two (Special rehearsal edition script)
Autore: J.K.Rowling, John Tiffany & Jack Thorne
Prima pubblicazione: 2016
Prima pubblicazione in Italia: 2016
La mia edizione: 2016
Editore italiano: Adriano Salani Editore
Collana: –
Genere: Opera teatrale
Numero di pagine: 357
Preceduto da: Le fiabe di Beda il Bardo (2008)
Seguito da: Animali Fantastici e dove trovarli. Screenplay originale(2017)
